El Castigador (Punisher) y Nick Furia, buen ejemplo de respeto a la creación de Gerry Conway

Ayer murió Gerry Conway, creador del Castigador (Punisher) que también fue pieza esencial de u. Hito de la mitología de Spiderman en la muerte de Gwen Stacy, o en el encuentro de Spiderman con el emblema de la DC, Supermán, en un emblemático número de edición en formato gigante , fórmula en la que Conway volvió a demostrar su pericia y talento precisamente en el encuentro de Superman con Wonder Woman que comenté el pasado domingo en el post anterior de este mismo blog, horas antes de que trascendiera la noticia del fallecimiento del guionista. 

Conway, que también escribió novelas de  ciencia ficción, fue junto Roy Thomas una pieza esencial para llevar los guiones del cómic de superhéroes a un nivel más alto y en concordancia con los temas de su época, haciendo que este producto de evasión alcanzará un estatus de testigo de los tiempos como manifestación de cultura popular. 

El Castigador es un buen ejemplo de cómo Conway enriqueció la galería de personajes del cómic de superhéroes,  y nadie mejor que Ennis, maestro del guión del cómic de nuestros días, en este arco que cruza al Castigador con otro emblemático personaje, Nick Furia, llevándolos a un territorio ajeno a las historias de superhéroes para ubicarlos en la realidad histórica -los últimos compases de la guerra de Vietnam en este caso- al efecto de reincidir en sus no siempre bien entendidas incursiones en el género bélico desde un punto de vista claramente antibelicista. 

Nuevamente en este cómic, cuya portada es además un homenaje a la primera aparición del Castigador en la colección de Spiderman, Ennis saca adelante su difícil ejercicio de mostrar respeto a los soldados que se dejan la piel en el frente denunciando la farsa y la barbarie de todo enfrentamiento bélico mediante la insistencia en cómo esos soldados son carne de cañón sacrificada inútilmente en un juego de conspiraciones, traiciones y manipulaciones propagandísticas por los verdaderos beneficiarios de toda guerra, en ambos lados del frente. 

La guerra como esa picadora de carne de cañón de da cita aquí con la corrupción que si duda salpica a los dos protagonistas, convirtiéndolos en cómplices de ese proceso de mentira y traición. De ese modo, Ennis vuelve a demostrar su madurez y profundidad a la hora de definir de manera  más compleja el ambiguo concepto del heroísmo que siempre acerca a la más primaria y oscura naturaleza depredadora de nuestra especie, al ego, al miedo y a la mentira. 

Daredevil: tres grapas esenciales

 

Estos tres comics son todo lo que necesita cualquier guionista, dibujante, director de audiovisual o lector para aprender y entender todo lo esencial que define y centra el personaje y el universo de Daredevil. 

Son la mejor explicación de sobre qué claves edificó Frank Miller su reconstrucción del personaje en la mejor y más brilla etapa de Daredevil, luego imitada, pero nunca superada. 

Junto con la obra de otros maestros, contribuyen a trazar la linea entre la épica de las obras maestra del cómic de superhéroes clásico y al mismo tiempo moderno sobre cuyas bases de asientan algunos de los mejores trabajos posteriores con el personaje y con el medio. 

Aportan el equilibrio perfecto entre despliegue visual ambicioso y contenido igualmente ambicioso, rompiendo todas las fronteras del cómic de género superheroico para llevarlo a otro nivel. 

Y para rematar, son un excelente ejemplo de la influencia del cine en el.medio y en la obra de Frank Miller, anticipando además las claves que van a dominar el resto de sus obras maestras. 

Tres grapas que muestran la capacidad de los comics de grapa para convertirse en arte. 

Algunos guionistas de cómic y audiovisual de nuestros días harían bien en darles un repaso. 

Cómic. Alien se tropieza con Zombi a 300000 millones de kilómetros de la Tierra.

 

Contención es un cómic sencillo, incluso diría que básico, y totalmente previsible en los que se refiere a su argumento, en el que además cuela con calzador un rollete romántico torpe y absurdo, que fácilmente podría haber manejado mejor simplemente invocando a Eros y Tanatos, o lo que es lo mismo, que si sabes que te vas a morir igual te apetece echar un último polvo, son romances ni cariños, pura reacción animal en un fútil último intento de supervivencia. 

Pero a pesar de sus limitaciones en el guión de Eric Red, sobrevive como curioso comic de entretenimiento empeñado en reciclar claves de la película Alien dirigida por Ridley Scott y la película Zombi dirigida por George A. Romero por su dibujo de grotesco trazo sumido entre las sombras, a veces voluntariamente confuso y crispado, precisamente para generar la inquietud que si tópico y poco original guion le niega. 

Tiene una introducción de Western Craven, icono del terror cinematográfico que tampoco se curra mucho su contribución de tecla al asunto, y encima se limita a reventar el argumento a golpe de spoiler. Lástima. Su aportación podría haber sido mucho más interesante. 

Daredevil ¿El mejor tomo de la etapa Frank Miller?

El duelo y desenlace del enfrentamiento entre Elektra y Bullseye. El cara a cara de Daredevil con Bullseye y con el Castigador (Punisher). El viaje a las capas más profundas del subsuelo de la metrópolis neoyorquina. 

Todo eso entra en este tomo que acabo de leer y contiene las claves esenciales del brillante viaje con este personaje que nos propuso Frank Miller y constituye sin duda la era dorada de Daredevil, además de un prólogo y punto de partida de los grandes trabajos del dibujante y guionista en fechas posteriores. 

Un ejemplo de cómo renovar un personaje y hacerlo con solvencia, madurez y respeto por el mismo que ya podrían tener en cuenta y emular muchos de los"renovadores" que han maltratado y casi destruido personajes icónicos en nuestros días. 

Una lección en toda regla para hacer avanzar los iconos del cómic, en el caso de este Daredevil de Frank Miller planteando un pulso brillante generador de tensión e intriga cinematográfica entre la verticalidad y la horizontalidad en la construcción de la página. 

Y con unas pinceladas de sentido del humor muy saludables, como en la fuga de la cárcel. 

Capitán América y la revolución de Jim Steranko

 

Acabo de leer en esta tarde de tebeos el mejor número de los editados hasta el momento por Panini en su Biblioteca Marvel de Capitán América. 

Este sexto número reúne la despedida de un ya pletórico Jack Kirby con los tres números que dieron entrada en la colección al revolucionario Jim Steranko, una auténtica tormenta de ideas y diseños renovadores del lenguaje del cómic. 

Decir Steranko es decir revolución y evolución del lenguaje de las viñetas en este número que arranca sin embargo poniendo de manifiesto todo el poder de Kirbye a la hora de dibujar con las páginas en la sala de entrenamiento, encadenando luego con una fábula en el tono pulp que tan bien le sienta a este personaje y al maestro del dibujo en sus mejores historias. 

Pero la entrada de Steranko en el universo de ficción del Capitán América deja claros sus rasgos de estilo más significativos tanto en lo visual como en el contenido, imponiendo domino del dibujante en la puesta en escena que al mismo tiempo respalda y es respaldada por la intención de profundizar más psicológicamente en los personajes. 

Un buen ejemplo de ello es esta página donde el dibujo bucea en el estado de ánimo de Steve Rogers y la culpa que lo corroe convirtiendo en sombra a la leyenda pública que se desmorona y minimiza en privado en un hábil y oportuno proceso de humanización del superhéroe que queda resumido en esa viñeta en picado de la linea inferior con su minúscula silueta rodeada de oscuridad. 

Los números de Steranko marcan un punto de giro en el desarrollo de la colección del personaje con una ambiciosa propuesta visual que bebe del cine y arte moderno y de hecho se convierte ella misma en una muestra de arte moderno y de la sinergia del lenguaje del cine con el lenguaje del cómic. 

Maestro también del uso de la luz con inspiración cinematográfica, del cine negro más concretamente, Steranko juega con el color y el blanco y negro en viñetas de una misma página, cabalgando en su dibujo los blancos para darle personalidad y vitalidad a su incorporación de la luz de la luna en la parte final de su contribución. 

Y, además de todo eso, ¡Madame Hydra y la primera muerte del Capitán América!

Cómic. George Pérez hace guiño a Escher

 

Homenaje de George Pérez a los laberintos de Escher en El Cuarto Mundo. Nuevos Dioses, de la editorial DC Comics. Un clásico. 

Cómic: Jack Kirby y sus defensas costeras nazis retrofuturistas

 

Una espectacular visión  retro futurista de las defensas costeras nazis durante la Segunda Guerra Mundial dibujada por Jack Kirby con tinta de Syd Shores para el número 109 de Capitán América, publicado en Estados Unidos el 3 de octubre de 1968 con fecha de enero de 1969 e incluido en el número 6 de la edición española de Biblioteca Marvel editada por Panini este mes, que ayer me regaló mi hermano. 

Cómic: El cuarto mundo. Nuevos dioses.

 

Gerry Conway toma el mando del guión capitaneando con mano firme la épica búsqueda de la Ecuación de la Antivida llevada a cabo por Darkseid en el duelo del oscuro e infernal planeta Apokolips contra Nueva Genesis. Un viaje cósmico que nos lleva hasta la barrera final formada por gigantes con el tamaño de planetas, la Galaxia Prometeica, y hasta el desenlace del cara a cara entre Darkseid y el patriarca de los Nuevos Dioses, Izaya Highfather.

No soy muy de los comics cósmicos, pero este me ha ganado y ha acabado enganchandome, sobre todo en su segunda parte, cuando se aproxima a su parte final de enfrentamiento, y aún más en la parte final de este tomo de 336 páginas que incluye los tres números de una saga de reunión de la Liga de la Justicia de Tierra 1 y la Sociedad de la Justicia de Tierra 2 con los Nuevos Dioses del Cuarto Mundo creado por Jack Kirby. 

Esa parte final es un buen antecedente para el evento Crisis en Tierras Infinitas, incluyendo una locura de espectaculares viñetas de George Pérez. 

 

Cómic DC: ¡Orión y el efecto Gulliver!

 

Cómic: Absolute Martian Manhunter. Vídeo comentario sobre el final del primer arco.

Cómic: Los malditos

 

Una sangrienta y cínica relectura del Antiguo Testamento en clave de relato de Espada y Brujería protagonizado por un Cain reconvertido en una mezcla de Conan el Bárbaro y Lobezno enfrentado a un mundo que parece escapado de la peor pesadilla de un aficionado a las películas de Madrid Max. Tiene la mala leche y el pesimismo gamberro de un guión de Garth Ennis pero sin la fiesta y las risas, sustituidas por sangre. 

Y al final se queda uno con ganas de saber qué demonios pasó con Noé y su arca. 

O no. 

Manga: Tenkaichi número 7

 

El mejor de todos los siete primeros números de esta colección  que se han editado hasta el momento. 

Puede ser por los dos personajes enfrentados en el duelo, Hattori Hanzô, el demonio de la lanza, y Sasaki Kojirô, la máquina de matar de la espada mágica, o puede ser por las propias armas que empuñan y cómo las mismas se adaptan mejor que otras a la narración visual de las viñetas del manga. 

También ayuda que a estas alturas de la trama el argumento funciona ya a pleno rendimiento, moviendo con habilidad los personajes históricos y la intriga en el tablero sangriento creado por el perverso Oda Nobunaga con más  comodidad dentro de esta historia alternativa.

En el dibujo este número siete es uno de los que mejor extrae un rendimiento más enérgico a sus viñetas, articulando sus páginas en una linea de pleno aprovechamiento de la acción en la dirección de la mirada de los lectores. 

En cualquier caso, la fórmula de torneo que aplica Tenkaichi confirma en este número plenamente su identidad diferenciada de otras propuestas similares como Shumatsu no Valkyrie. Record of ragnarök, y puede presumir de ser entre las mismas una de las que mejor administra y desarrolla sus flashback como herramientas narrativas, aportando al lector información clave con la que completa la caracterización de sus personajes al mismo tiempo que describe el origen de sus conflictos. 

Cómic Absolute Martian Manhunter: la mejor grapa del mes y una de las mejores del año

    Absolute, el enésimo proyecto de renovación y reescritura del Universo DC progresa muy bien en general y en esta colección que acaba de estrenar su número uno entra en la esfera de lo brillante. 

    La colección Absolute Martian Manhunter promete gratas sorpresas a sus lectores y plantea una relectura del personaje del título, un clásico en la galería de superhéroes DC, destacándose entre las más interesantes vueltas de tuerca de esta nueva línea argumental. 

    La relectura del personaje que en España siempre hemos conocido como Detective Marciano se desarrolla en paralelo con una exploración de las fronteras del lenguaje del cómic que convierten esta grapa en una caja de sorpresas en todas y cada una de sus páginas. 

    Este cómic es una invitación a participar activamente en la lectura  para disfrutar de una lúcida y estimulante fusión genérica del cuento policíaco y el cuento de ciencia ficción envueltos en una capa visual de fantasía pop actualizada. Su objetivo es jugar con nuestros sentidos, y desde sus páginas se nos conduce a repensar y quizá cambiar nuestra manera de leer un comic. Abre puertas a un estimulante juego con el lenguaje que quiebra nuestro papel de lector pasivo para convertirnos en colaboradores indispensables de la narración iniciada por los autores. 

    En las páginas de Absolute Martian Manhunter se confirma Deniz Camp como nuevo talento y figura del medio junto a la personalidad intrépida de su compañero en este viaje desde el dibujo, Javier Rodríguez.

    Rodríguez es un auténtico explorador de las nuevas fronteras del territorio de lo metatextual, lo narrado y lo no narrado, quien además, en la interesante entrevista con Lidia Castillo que cierra este primer número, despliega unos recursos como analista del lenguaje muy estimulantes y reveladores para el lector, señalando, entre otras cosas, por qué este cómic es una buena muestra de que la I.A. nunca podrá sustituir a los creadores y creadoras humanos. 

    Rodríguez afirma: "Está muy bien leer y tener referencias de cómics, de todo, pero lo que te hace contar una historia usando un lenguaje, en este caso el de los comics, puede ser la literatura, o el cine, o lo que sea... es cómo ves tú el mundo. Si no lo observas, si no miras afuera, te encuentras en la caverna de Platón. Si solo haces cómics a base de leer cómics de superhéroes vas a estar describiendo el mundo a través de sombras". 

    Abre así una puerta a plantearnos un tema que me interesa mucho en los últimos tiempos, el peligro de la tendencia endogámica presente en la iconografía heredada de muchos comics, películas, novelas y en general ficciones de nuestros días, presas del guiño inocuo y el chiste insípido. 

    Pero esa es ya materia para otro post que supongo escribiré un día de estos.

    Por el momento cierro confesando que mientras leía este cómic he recordado mucho el innovador trabajo de Jim Steranko en los comics de Nick Furia, por poner un ejemplo. 

    

Sargento Rock. El batallón perdido

 

Uno de los mejores comics de guerra que he leído en todos mis años como aficionado a las viñetas.

 Basándose en hechos reales, Tucci rinde homenaje a los soldados del 141 Batallón de Infantería de los Estados Unidos, conocido como el Batallón perdido, cercados por tropas alemanas en los Montes Vosgos en octubre de 1944, y a los soldados del 442 Regimiento de Combate formado por japoneses estadounidenses, Nisei. 

 El viaje empieza con un espectacular prólogo en la sangrienta Playa de Omaha durante el desembarco de Normandía y nos sumerge a continuación en una de las hazañas bélicas de resistencia contra todo pronostico contra fuerzas enemigas muy superiores. 

 Un revelador relato que descubre aspectos poco conocidos de esa etapa de avance de los aliados en la Fortaleza Europa de Adolf Hitler. 

 Especialmente recomendado para quienes hayan disfrutado series como Hermanos de sangre y Generation Kill o películas como Warfare o el clásico Fuego en la nieve. 

Es como Salvar al soldado Ryan pero sin lágrimas de cocodrilo. 

BATMAN 89

Otra lectura prestada de la semana, Batman 89, cortesía de mi colega Telly Chavalas, que andaba detrás de este tomo desde hace tiempo y finalmente le hincó el diente. 

19 euros vale la criatura. El cómic, no Telly. 

A ver, hablando desde la posición de alguien que se lo ha leído gratis, está bien, es entretenido y tal. Es curioso y como continuación de las dos películas de Batman de Tim Burton es mejor que lo que hizo Joel Schumacher con Val Kilmer y George Clooney.

Pero eso tampoco era muy difícil. 

Muy centrado en el viaje del Harvey Dent de Burton (no el de Tommy Lee Jones con Schumacher), que aporta una clave argumental de lucha de clases en una Gotham que sin embargo está despersonalizada. 

Los responsables del cómic parecen haber olvidado o en cualquier caso no parecen entender el valor de mantener la identidad peculiar de la ciudad que aporta la visión de Burton , y tampoco explotan la personalidad que el director y sus actores prestaron a los personajes clásicos de la mitología de Batman en las películas. 

Así que el resultado es entretenido, mejor que las películas de Schumacher, pero plano, soso y bidimensional si lo comparamos con las películas de Burton, cuya visión  se pierde en esta secuela de cómic muy desconectada de sus antecedentes cinematográficos, y que merecían mejor destino que este producto de explotación y ordeño oportunista de la nostalgia, con viñetas que no haven honor a su pretexto.

¿Demasiado duro? No. Es simplemente lo que pienso de este cómic en el que veo más el estancamiento de Batman como producto víctima de la sobrexplotación que la intención de sacarle partido a las muchas posibilidades que todavía presenta. 

Este cómic entretiene pero carece de capacidad para sorprender y no añade nada nuevo a lo que ya sabemos. 

Y en mi opinión le falta vida. Es demasiado plano en demasiadas cosas. 

Un cómic de una sola lectura, que no me arrepiento de haber leído, pero que tampoco me ha aportado nada que realmente me lleve a querer añadirlo a mi colección. 

CEMETERY BEACH: LA PLAYA CEMENTERIO DE WARREN ELLIS Y JASON HOWARD

Lectura absolutamente adictiva. Pura sátira para consumir en bucle. 

De argumento aparentemente simple pero de construcción muy compleja, precisamente porque maneja esa supuesta sencillez como primera capa de lo que más en profundidad llega a contarnos sobre los personajes, pero también sobre nosotros mismos, poniendo en evidencia nuestra naturaleza como consumidores de lo epidérmico, de la acción por la acción, en toda la industria del ocio de nuestros días, cine, televisión, videojuegos, comics... 

Puro arrebato frenético, pura descarga de adrenalina tras un comienzo más sereno y de intriga en sus primeras páginas, en la sala de interrogatorio, este comic se desliza a continuación por un tobogán de emociones y sensaciones que son puro ritmo y movimiento vertiginoso con poco diálogo y despliegue visual espectacular tocado con la personalidad y agudeza de los dibujos de Howard, puro ángulo, pura arista, un laberinto de líneas rectas punzantes, tan agresivas como el propio argumento y diálogo con segunda velocidad de comedia, metiendo el turbo a siete números de trepidación incansable. 

La visceralidad de cada viñeta se revela como propuesta artística montando un pura sangre de exceso y desbordamiento de la violencia y la pirotecnia que domina el ocio audiovisual de nuestros días, que es al mismo tiempo homenajeada como signo de nuestros tiempos y parodiada con acidez y singular habilidad por el guion de Warren Ellis, elaborado desde un estudiado minimalismo que dice mucho sobre muchas cosas con muy pocas palabras. 

Es como si Mad Max: el guerrero de la carretera y Mad Max: Furia en la carretera se hubieran dejado seducir por la mirada de un David Cronenberg furioso se cruzara con una pesadilla de Clive Barker después de meterse en vena las mejores películas de carrera-persecución de la historia y dos docenas de capítulos de la serie de animación Los autos locos. 

Pura slapstick, comedia física gozosamente hipertrofiada, sin complejos, que bajo su indudable eficacia como entretenimiento oculta la mejor definición de la prisa y el frenetismo que domina nuestros tiempos. 

Una fábula dentro de otra fábula repleta de guiños. 

Ayer leí este tomo dos veces. 

Creo que hoy puede caer la tercera si me descuido. 

CONAN RENACIDO: SEGUNDO ASALTO

 

La buena noticia del número dos de la nueva colección de Conan es que está a la altura del número uno y cierra trama haciendo gala del mismo vigor y energía que la anterior. 

Además cuenta con un invitado especial muy apreciado por seguidores de Robert E. Howard y del género de espada y brujería, cuya identidad obviamente no voy a revelar aquí, pero que cuenta con su propia subtrama y revela las buenas intenciones de los gestores creativos de esta nueva etapa de Conan respecto a la utilización y aprovechamiento de la mitología de la Era Hyboria. 

La mala noticia es que el próximo número, con arranque de nuevo arco argumental, no aparecerá en librerías hasta el mes de junio. 

Finalmente el respeto al personaje vuelve a convertirlo en una propuesta destacada a disfrutar en las viñetas de grapa. Ya era hora de que alguien escuchará a los aficionados en lugar de columpiarse en las pancartas.