Esta mañana me he tropezado en un cruce con esta imagen que me ha sugerido la sensación de peligro que corre Lobezno en su asociación con Deadpool en la película que ha juntado a ambos personajes como salvavidas del concepto de producto audiovisual con superhéroes en Marvel Studios.
Espero equivocarme, pero de repente he pensado en minigarras descafeinadas y blancas como la cabeza de un tenedor de plástico.
Garras cruzando en rojo en un paso de cebra.
Vamos que te plantas en el restaurante pidiendo una hamburguesa y te arrean un bacalao congelado a medio cocer, así por el morro.
Pero junto con la chapa me llevé una sorpresa grata, teniendo en cuenta cómo se las gastan últimamente las grapas de Marvel: dos novedades a precio rebajado que permiten ser optimistas respecto a un crecimiento de interés en las colecciones de los próximos meses.Lo del precio no es importante. Cualquiera que me conozca sabe que me gasto una pasta en comics todos los meses, y como no me los regalan, si me parece que no pitan, pues lo digo y me quedo tan fresco. No tengo que acomodarme a prebendas.
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Después de una larga temporada sin tocar una grapa de Marvel ni con un palo atado a otro palo, con la excepción de El increíble Hulk y el cruce de Predator y Lobezno que me pasa mi colega @telly_chavalas, del Supertellychalavalas.blogspot.com, he tenido muy buenas impresiones con estas dos grapas. Sobre todo con la de Vengadores.
¿Significa eso que los comics Marvel han escuchado finalmente a los lectores veteranos, que somos los que mantenemos el negocio con nuestras compras? ¿Es simplemente un espejismo en la tormenta de reinvenciones sin sentido, sin orden ni concierto, de personajes y universos de ficción clásicos que en mi opinión ocultan una incompetencia inaudita y alarmante en buena parte de los creadores de las últimas cosechas de propuestas de la editorial, algunos de los cuales parecen haberse caído de un guindo muy lejano al disfrute de los comics empeñados en leernos la cartilla a todos para reeducarnos según su pancartitis particular, cortina de humo para disfrazar su incompetencia?
¿O estamos ante otra necesaria vuelta de tuerca hacia el regreso a las raíces y el verdadero espíritu de la cosa tras una mala racha de pobreza de idea y caótico despiste e inoperancia disfrazado con el ceremonial de desnaturalización de personajes y universos que ha venido infectando a las viñetas, en parte como derivado del aquelarre que se ha practicado con el universo Marvel en el cine en los últimos años, concretamente desde el advenimiento de la Capitana Maribel y sus consecuencias tras el punto y a parte de Vengadores: Endgame?
¿Es demasiado pronto para ser optimista?
La miniserie de Vengadores me hace pensar que no. Esperemos que no tenga que decir lo contrario el mes que viene y todo siga tan bien como pinta en este primer número. Zdarsky y Acuña son una apuesta segura de calidad.
Antes de que Steven Spielberg y George Lucas se pusieran de acuerdo para rodar la primera aventura de Indiana Jones, En busca del Arca perdida, los chavales de entre doce y catorce años ya andábamos locos allá por los años setenta consumiendo las adaptaciones al cómic que publicó la editorial Marvel de un héroe del pulp que tenía el mismo espíritu, Doc Savage, el Hombre de Bronce. Sus creadores fueron dos editores de Street and Smith Publications, Henry W. Ralston y John L. Nanovic, pero para la posteridad el «padre» literario del personaje fue el escritor Lester Dent, que escribió mas de 180 novelas del personaje firmando con un seudónimo de la editorial, Kenneth Robeson. Luego la Marvel le sacó el jugo al asunto dando a luz una colecciónd de cómics esencial para entender el género de aventuras en las viñetas de los años setenta.
SUPERMÁN ANTES DE SUPERMÁN
Es seguro que Doc Savage influyó en Indiana Jones, pero además se especula con que podría haber influido también desde sus novelas pulp en el personaje de Supermán.
Agridulce conclusión después de leer esta novela gráfica:
En positivo: es una edición que aplaudo y me parece muy recomendable y asequible (20 euros) para coleccionistas, e imprescindible para seguidores de Los Inhumanos. Sus extras, los textos de acompañamiento que recorren la historia de Los Inhumanos y su amplia galería de personajes y posibilidades así lo indican.
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En lo negativo: en el arco del tomo Los Inhumanos vuelven a ser títeres para el lucimiento de propuestas que son muy legítimas como defensa de conceptos y valores, e incluso anticipan y pueden ser referenciadas como pioneras del modo de entender el asunto en nuestros días, pero como ocurren en nuestros días de arrebatos de adicción a las pancartas en los guionistas, no se ajustan bien a la naturaleza de los personajes en lo mejor de su potencial como vehículo de evasión y entretenimiento en viñetas.
Más claro (y aviso que esto no les va a gustar nada a los adoradores de la guionista Ann Nocenti, pero es lo que pienso, amigos, amigas y amigues): a pesar de la reverencia que algunos le puedan rendir a Nocenti, este comic es un desperdicio de personajes, un galimatías, una empanada con intento de reflexión ecologista que ciertamente la ecología no solo no necesitaba sino que incluso la perjudica, por simplona.
Y en lo referido a darle una segunda lectura sociopolítica a la propuesta, su reflexión sobre el ejercicio del poder y el sacrifico del liderato en el personaje de Rayo Negro, y el miedo a la maternidad y paternidad en el caso de éste y Medusa, no es que se quede corta, es que directamente se queda en la periferia del asunto y poco más.
No le niego a Nocenti su papel como pionera en el intento de aportar cambios en la narrativa super-heroica de los grandes sellos de difusión multinacional, pero siempre he pensado que las voces de la izquierda estadounidense no pasan de ser domesticados maullidos de gato anémico que se venden como rugidos de león en la selvática industria del ocio y la cultura popular estadounidense. Vamos que no es tan fiero el león como lo pintan.
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Comparemos la paja ecológico-psicotrópica protagonizada por Cristal a toda página con la aproximación más shakesperiana a Maximus y la manera en la que aborda a dos de los personajes ninguneados por el guión: Rayo Negro y Tritón.
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Resumiendo: la edición y el tomo muy buenos, recomendables. El guión de Nocenti flojo y confuso, aunque le apunto muy en positivo su atrevimiento al dejar la trama completamente abierta en el desenlace. Y el dibujo dependiendo de su entusiasmo de Blevins por los personajes.
En los últimos tiempos las fronteras entre el cine y el comic se han diluido en una dinámica de acercamiento y cruce de ambos medios que incluye el traslado de profesionales de un campo a otro. El cine copia al comic y el comic copia al cine, en una telaraña de relaciones que como no podía ser menos ha acabado reclutando a las estrellas de la pantalla grande para las fábulas narradas en viñetas.
Las ilustraciones que acompañan el texto son un buen ejemplo de ello tomando como campo de búsqueda los tebeos y el western, tema apasionante que pienso volver a tocar siempre que pueda.
Ahí va mi lista de estrellas «robadas» al cine para el comic -western.
El más ocupado, sin duda, Clint Eastwood, que aparece en tres colecciones, como estrella invitada en Durango, en la más reciente serie del clásico del género Jonah Hex, y en Corpus Christi.
Luego tenemos a Sean Connery protagonizando Estrella del desierto, a Robert Redford en McCoy, y a Jean-Paul Belmondo como el teniente Blueberry.
Breve pero contundente arranque del arco Espíritus de venganza en un número que si merece la pena y simplemente cumple con las expectativas. Te deja con ganas de siguientes números, y eso es algo que cada vez resulta más difícil conseguir en la mayoría de las colecciones de cómic de Marvel.
La fórmula del carnaval de monstruos funciona bien y además de añadir a un Motorista Fantasma interesante por lo que puede traer detrás, incluye una de las mejores y más perturbadoras transformaciones de Banner en Hulk, a doble página e inspirada visualmente en Ataque a los titanes.
Más que suficiente para los 3,30 euros que cuesta. Y visualmente muy coleccionable.
Confirmado: Bruce Jones destrozó con su guión el personaje de Ka-Zar, el Tarzán de la editorial Marvel, en toda la etapa en la que se ocupó del personaje.
Así lo demuestran estos dos números sorpresivamente editados como parte de la colección de Spiderman en España.
En realidad Spiderman está más bien en modo cameo, con Ka-Zar de protagonista, y la explicación que dan en los editoriales para enchufarlo a la cabecera con calzador no me convence nada.
Resulta un tanto chapuza todo, porque la historia del destino oscuro de Ka-Zar queda cortada y el lector se queda a por uvas sin enterarse de qué pasa con él después de aflojar el dinero invertido en dos números
que ni empiezan ni acaban el arco argumental, por mucho que pretendan justificar la maniobra desde la editorial.
En cuanto a Bruce Jones, quizá en el territorio del terror luciera más y mejor, pero en Ka-Zar acumula pecados sin redención posible.
Diálogos y textos larguísimos, interminables y total para no decir mucho.
Demasiado romance absurdo, forzado, infantiloide.
Reiteración de diálogo explicando lo que ya muestra el dibujo.
Ka-Zar convertido en un galán lloroncete.
Y Shanna convertida en una histérica.
Maltrato de los personajes.
Intento fallido de replicar comics de SHIELD con IMA.
Fallido intento de replicar las tramas de secuestro de Edgar Rice Burroughs en las novelas de Tarzán.
Ojo con este tomo que contiene una de mis historias favoritas de Conan: El invierno del lobo, guión del gran Chuck Dixon, en mi opinión el segundo mejor guionista del personaje después de Roy Thomas, y dibujo de Gary Kwapisz, en líneas muy John Buscema.
Además, dan cena.
Y hay monos en la tercera historia. Muy completo.
Empecemos la semana con algo de Espada y Brujería, un Conan de Ernie Chan, por ejemplo.
Feliz lunes.
Tema: Pantera Negra sustituyendo a Daredevil.De Wakanda a la Cocina del infierno. De África a Nueva York. De la selva africana a la jungla de asfalto.
Así, a priori, la cosa pinta curiosa, aunque en esencia es otro conformista juego de cambiar al personaje y sacarlo de su entorno casi porque sí y para camuflar el agotamiento de los que tienen que trabajar con el mismo o su falta de recursos para mantener el interés en una linea similar a lo que hicieron en Marvel poniendo a Hércules sustituyendo a Thor.
Más allá del amago de agotamiento, tiene buen dibujo y un antagonista interesante y con posibilidades de crecer con identidad propia en una clave que mantiene esa capacidad de los personajes y las tramas de Daredevil por desarrollarse como la colección y el personaje más cercano y eficaz en el género negro y la trama policial, algo que siempre se agradece.
Pero Pantera Negra no es Daredevil. Ni lo necesita. Y aunque reconozco que he comprado el comic por curiosidad frente a la rareza, igual entre pienso que estos cambios radicales, tipo What If... rinden resultados más interesantes en las variantes de sus personajes clave a DC que a Marvel.
Lo mejor: dibujo, construcción de pagina y antagonista.
Lo peor: Pantera Negra sin ser Pantera Negra y mucho menos Daredevil.
El colega @telly_chavalas me prestó este cómic -recomiendo el intercambio de materiales de ocio como medida para cubrir más terreno paliando los mordiscos a la cartera en la medida de lo posible, esto es, con gente de confianza que te devuelve lo que le prestas-, y le estoy agradecido porque he pasado un buen rato leyéndolo.
Es entretenido, pero la verdad es que no se han roto la cabeza mucho a la hora de escribir el guión. Directamente han fusilado Aliens, de James Cameron, cambiando bichos, personajes y paisajes. Y a correr.
Otra muestra de agotamiento de franquicia en toda regla. No se molestan ni en disimular.
El dibujo merece un guión más currado, con más imaginación y menos copia de copia.
Empiezo bien el año leyendo una buena muestra de terror para las viñetas.
Joe Hill se lanza a fondo con un homenaje a La Cosa de John Carpenter, todo el cine de Carpenter y el terror de H.P. Lovecraft, consiguiendo poniendo en las manos del siempre eficaz Stuart Immonen una oportunidad de oro para lucirse consiguiendo que el lector se sumerja en su mundo de sombras dominado por las superficies negras y con una definición visual que recuerda el cine de terror de los años ochenta.
Inmersión tiene todos los elementos para ser mejor que el noventa por ciento de las películas con monstruo y las adaptaciones de las obras de Lovecraft al cine, y de paso se hace eco de esa continuación de La Cosa en el propio comic que propuso y publicó en viñetas John Carpenter invitando a los soviéticos a la fiesta.
El equilibrio del tándem Hill/Immonen en la combinación del terror y la intriga alternando la propuesta visualmente espectacular con las conversaciones de los personajes en una dosificación ejemplar que para sí quisieran muchas películas, es un ejemplo de cómo rendir homenaje a un género desde la pasión del aficionado al mismo sin caer en el postureo fetichista ni tropezarse con el vano intento de reinventarlo para destacar y tirarse del tirante.
Estos dos creadores se entregan en cuerpo y alma a sacar todo el partido a aquello que les entusiasma y como consecuencia de ello cada viñeta y cada página es al mismo tiempo una declaración de afecto a lo que les gusta y una labor creativa madura y sólida a años luz de los intentos oportunistas de infiltrados acomplejados en temas, géneros y personajes que en el fondo no les gustan que están intentando con singular torpeza reescribir el entretenimiento audiovisual de nuestros días consiguiendo principalmente sepultarlo bajo una lamentable montaña de propuestas sin personalidad, aburridas, repetitivas y torpes.
Frente a ese paisaje devastado de los géneros en la mayor parte del cine y la televisión más comercial de nuestros días (en el cine independiente y de serie B menos atrapados por las macroinversiones del mundo blockbuster suena afortunadamente otra canción), Hill e Immonen nos proponen una inmersión total en las claves esenciales del género que aquí abordan desde el respeto a las mismas y a los lectores que van a consumir su producto, sin columpiarse en pancartas simplonas.
Repaso al tercer tomo de los editados por Panini de este personaje que nació a la sombra del Tarzán de Edgar Rice Burroughs cruzado con otra obra del mismo autor, La tierra olvidada por el tiempo. Selva, dinosaurios y un tipo con cuchillo, taparrabos y mascota, en este caso un tigre dientes de sable que responde por el nombre de Zabú.
En su principio y en la mayor parte de su recorrido en los años setenta y ochenta, KAZAR fue uno de los más claros herederos de la literatura pulp en los comics Marvel.
Confieso que tiemblo al pensar en lo que podría hacer Marvel Studios con él si le mete mano en una adaptación al cine, aunque este tomo ya me ha dado algunas pistas de la destrucción del personaje que podría producirse como resultado de tal encuentro.
Me explico. El tomo contiene los primeros doce números de la colección Ka-Zar el SALVAJE, publicados de abril de 1981 a marzo de 1982, y claramente los guiones de Bruce Jones están menos inspirados, por decirlo de una manera elegante, que los dibujos de Brent Anderson, superiores a la propuesta argumental dubitativa, irregular, no muy original y claramente fallida en su intento de replicar las claves del pulp que presentan los guiones.
Lo curioso es que en esos guiones de anticipan muchas de las claves que están llevando al cine de superhéroes de Marvel Studios y de su competencia en DC Warner a desmoronarse en la pantalla y en la taquilla, incluyendo la Santísima Trinidad de metidas de pata de las últimas películas del asunto: chistes tontos, intento fallido de reconstruir al personaje básico dándole la vuelta al calcetín a base de añadirle por las bravas vulnerabilidad y lloriqueo romántico-existencialista de puerta de retrete y simplificación de las características originales del mismo: tiene una mascota (un felino dientes de sable devaluado a condición de gato doméstico) y se mueve por su selva peleando su plañidera lucha de sexos con su pareja (una Shanna devaluada a la versión más simple y estúpida de la compañera del héroe atractiva pero absolutamente torpe, lo cual la convierte en cliché poco interesante), convirtiendo sus originales peripecias del género de aventuras en una mala comedia romántica. Lo que viene siendo un WaititiThor.
De manera que este tomo confirma que la defenestración de los personajes originales ya se producía en las viñetas antes que en el cine y viene de lejos, concretamente de principios de los ochenta.
Resumiendo: tomo muy agotador de lectura, pero muy satisfactorio de dibujo, especialmente cuando dejan que Brent Anderson pueda soltarse en el reciclado argumentalmente flojo que hace Jones del viaje al infierno de Dante, lo mejor de las trescientas y pico páginas de esta edición, junto con sus propuestas visuales a lápiz incorporadas como complemento junto con dos innecesarios rellenos de las aventuras infantiles de Zabú copiadas de las películas de animalillos de Disney que nuevamente de salvan por el dibujo, en ese caso de Gil Kane, ilustrando otro amasijo de tópicos sentimentaloides de Bruce Jones en el guión.
Nada que objetar a este nuevo comienzo que se presenta muy prometedor en una época en que necesitamos con urgencia recuperar lo auténtico para sacar la cabeza fuera de la ciénaga de farsa tóxica que infecta a buena parte de los productos de ocio.
